Presse
Zürich: Free Opera Company: “DON GIOVANNI” (Giovanni Pacini) – 3.3.2013
Der Komtur kommt aus dem ewigen Eis der Bergwelt
Giovanni Pacini (1796-1867) hat unter 80 Opern auch eine für den sog. „Hausgebrauch“ geschrieben, und zwar in Anlehnung an Lorenzo da Ponte, der ja bekannterweise das Libretto für Mozarts „Don Giovanni“ verfasst hat. Es war Pacini sehr wohl bewusst, dass er mit seiner 1832 komponierten Oper nicht zu Mozart in Konkurrenz treten konnte, legte aber hier ein Alternativ-Werk vor, welches sich lohnt, es kennen zu lernen. Für kleines Orchester, nur mit Flöte und Piccolo in den Bläsern, bleibt es ganz im Rahmen des Intimen, einer Kammeroper. So passte es ausgezeichnet in das kleine Theater Rigiblick in Zürich, wo sonst Größen wie Eva Mattes und andere ihre Gastspiele geben.
Nun also Pacinis Werk, das im 2. Akt erst recht aufblüht und wahre Juwelen eines vergessenen Opernrepertoires aus der Versenkung holt. Zuvor hatte schon das Finale des 1. Aktes mit seiner plötzlich ins Dämonische kippenden Ballszene (Choreografie: Pilar Nevado) überrascht. Das Quintett im 2. Akt ist überwältigend schön und klingt lange nach. Die Free Opera Company, hervorgegangen aus der PocketOpera, ge-managed vom rührigen Dr. Bruno Rauch, arbeitet mit Sängerinnen und Sängern der freien Szene.
Ulla Westvik als Zerlina mit ihren Barkeepern! Foto: Free Opera
Interessant, dass unter dieser Sängerschar, die ein erstaunlich gutes Niveau aufweist, sich nur wenige Sänger schweizerischer Nationalität befinden. Einer davon sang den Helden Don Giovanni, der hier einen extrem hoch gelagerten Tenor verlangt. Pascal Marti meisterte das gesanglich beachtlich, wenn auch die Anstrengung unüberhörbar war. Sein Leporello, hier witzigerweise Ficcanaso (derjenige, der seine Nase in Alles steckt) genannt, wurde vonJonathan Sells sowohl darstellerisch als auch gesanglich höchst professionell gegeben. Ihm möchte man gerne auch als Leporello begegnen! Donna Anna ist hier nur quasi eine Nebenfigur und wird von der Mezzosopranistin Julie Caffier mit apartem Timbre und in schöner Phrasierung interpretiert. Als ihr Partner Don Ottavio ist der junge Erlend Tvinnereim zu hören, der mit seinem sehr schön timbrierten lyrischen Tenor leider nicht allzu viel zu singen hatte. Schade, auch ihn möchte man als Mozarts Ottavio hören! Vorzüglich war die Zerlina besetzt, die hier nicht nur das koketteBauernmädchen, sondern auch Züge der Elvira, die in dieser Oper nicht auftritt, in sich vereinigt. Der jungen Norwegerin Ulla Westvik gebührt hier sicher die Palme. Von ihrem ersten Auftritt an nahm sie mit einer umwerfenden Ausstrahlung, einer äußerst beredten Körpersprache und einer Sopranstimme gefangen, die nicht nur die Koloraturen und die Höhen höchst professionell meistert, sondern auch die lyrischen Stellen berückend schön singt. Die Duett-Szenen mit Ficcanaso und ihrem Masetto, dem begabten jungen Bariton Philippe Meyer, gelangen denn auch hervorragend. Als Komtur fungiert der erstaunlich stimmgewaltige Milan Siljanov. Köstlich waren die drei Barkeeper – die Regisseurin Gisela Nyfeler lässt die Oper in einem Ski-Kurort, Ausstattung (Marianna Helen Meyer) und Kostüme (Claudia Binder) waren entsprechend – mit Tamas Bertalan Henter, Viktor Majzik und Philipp Scherer exzellent besetzt.
Als „Zuckerl“ gab es am Schluss noch Mozarts Schluss-Sextett, da Pacinis Werk mit der Höllenfahrt endet, nachdem der Komtur aus dem ewigen Eis der Bergwelt den „Ribaldo“ heimgeholt hatte. Sehr gut war das Orchester, die Chambers AArtists – CHAARTS mit dem aufmerksamen Dirigenten Emmanuel Siffert. – Erstaunlich, was so eine freischaffende Operntruppe leistet, und dazu noch auf diesem professionellen Niveau, das keinen Vergleich zu scheuen braucht. Bravi a tutti!
«Il convitato di pietra ossia Don Giovanni» – der Titel, in welcher Variante auch immer, ruft Mozart ins innere Ohr. Das ist so beim berühmten Fall der nur Monate vor Mozart uraufgeführten Don-Giovanni-Oper von Giuseppe Gazzaniga (1787), und das ist so auch beim kaum bekannten Werk von Giovanni Pacini (1796–1867). Im Vergleich mit dem Unvergleichlichen punkten Gazzaniga und sein Librettist, weil sie als Ideenlieferanten für Mozart durchaus eine Rolle spielten, für den Zeitgenossen Donizettis und Bellinis spricht, obwohl er Mozart paraphrasiert, dass dabei kein falscher Ehrgeiz im Spiel war. Sein «Don Giovanni» entstand für eine Aufführung im familiären, durchaus grossbürgerlichen Rahmen und wurde im Hause des Arztes und Schwagers des Komponisten Antonio Belluomini 1832 in Lucca uraufgeführt. Unbekümmert wurde da Pontes Text geplündert, musikalisch aber bediente sich Pacini im eigenen Fundus und komponierte für Vater, Geschwister und Schwägerin, welche die Interpreten waren, auch schöne – und anspruchsvolle! – neue Nummern. Und dass er sich in Sachen Dramatik vor Mozart nicht lumpen lassen wollte, zeigt die dämonische Höllenfahrt am Schluss, die eine klare Reverenz ist.
Parodie und Belcanto-Emotion
So überrascht das Stück, das Pacini eine«Farsa musicale» nennt, nicht nur mit gefühlsinniger Melodik und dichter Ensemblekunst, auch die Gänsehaut stellt sich ein. Eine Koloss ist der steinerne Gast (Milan Siljanov) im Theater Rigiblick zwar nicht, aber eine steife und unheimliche Person schon: Eisig kommt er direkt aus dem Schneegestöber in die Skibar. Die Inszenierung verhandelt die Geschichte des mit Skistock fechtenden Frauenhelden jahreszeitgemäss im Skikurort, wobei diese Idee (Dramaturgie und deutsche Dialoge: Bruno Rauch) nicht wirklich ausgereizt, aber auch nicht strapaziert wird. Gisela Nyfeler (Regie) lässt klugerweise alles in der Schwebe im Wechselbad von Parodie und Emotion und fördert so die differenzierte Rollengestaltung eines jungen Ensembles von vielfältiger Qualität.
Angezeigt ist, fein begleitet vom kleinen Streichorchester (plus Flöten) und hervorragend geführt vom Dirigenten Emmanuel Siffert, die Gesangskunst der Rossini-Zeit. Die Verführungskünste Don Juans basieren auf dem Grazioso der hohen Tenorstimme, die Pascal Marti fein beherrscht, aber umständehalber auch ein wenig auf Sparflamme setzt. Der Witz und wendige Charakter seines Dieners, hier mit Namen Ficcanaso, ist in Jonathan Sells’ geschwätzig-präzisem Bariton bestens verkörpert. Für die berührende Trauerarie der Donna Anna besitzt Julie Caffier das bezaubernde Legato ihres Mezzosoprans, Erlend Tvinnereims sekundiert mit sanftem Tenor als Don Ottavio.
An die Spitze des Ensembles singt sich mit Schmeichel- und Streicheltönen für Masetto (Philippe Meyer), mit brillanten Koloraturen und Energie bis zum Überdruck der Spitzentöne ganz für sich die Sopranistin Ulla Westvik und setzt so Zerlina (und auch Stellvertreterin Elviras) in ihr Recht als Primadonna. Auch das zeigt: Das Skiparadies der Free Opera Company im Rigiblick liegt im italienischen Hoheitsgebiet.
Premiere von Pacinis «Don Giovanni» im Theater Rigiblick
Den Wüstling, der die Frauen reihenweise verführt und dabei auch vor Mord nicht zurückschreckt, kennt man aus Mozarts «Don Giovanni». Dass auch der Italiener Giovanni Pacini eine Oper gleichen Namens geschrieben hat, ist jedoch kaum bekannt. Die Free Opera Company Zürich, die mit jungen Künstlern aus der freischaffenden Szene arbeitet, hat Pacinis «Don Giovanni ossia Il convitato di pietra» aus dem Schlaf erweckt und im Theater Rigiblick auf die Bühne gebracht. Regie führt Gisela Nyfeler, Emmanuel Siffert leitet die Chamber Aartists Chaarts.
Den Wüstling, der die Frauen reihenweise verführt und dabei auch vor Mord nicht zurückschreckt, kennt man aus Mozarts «Don Giovanni». Dass auch der Italiener Giovanni Pacini eine Oper gleichen Namens geschrieben hat, ist jedoch kaum bekannt. Die Free Opera Company Zürich, die mit jungen Künstlern aus der freischaffenden Szene arbeitet, hat Pacinis «Don Giovanni ossia Il convitato di pietra» aus dem Schlaf erweckt und im Theater Rigiblick auf die Bühne gebracht. Regie führt Gisela Nyfeler, Emmanuel Siffert leitet die Chamber Aartists Chaarts.
Das Libretto der 1832 komponierten «musikalischen Farse» stammt von unbekannter Hand, aber vermutlich haben Pacini und sein Textdichter das klassische Werk von Mozart und Da Ponte gekannt, denn es gibt viele Parallelen in den Figuren und in der Handlung. In Pacinis Oper kommt jedoch Donna Elvira, eine der zahlreichen Ex-Geliebten von Don Giovanni, nicht vor, die Rolle der Donna Anna wird abgewertet, diejenige der Zerlina dagegen kräftig aufgewertet. Dadurch ergibt sich gegenüber Mozart eine deutliche Akzentverschiebung: Don Giovannis Abenteuerlust erscheint nicht als Flatterhaftigkeit und Treulosigkeit, sondern als hartnäckiges Anbaggern der attraktiven Zerlina, die eigentlich mit ihrem Masetto den Honeymoon geniessen möchte.
Gisela Nyfeler, die Bühnenbildnerin Marianna Helen Meyer und die Kostümbildnerin Claudia Binder verlegen das Geschehen in eine Après-Ski-Bar in unseren Tagen. Der Komtur wird mit einem Skistock ermordet, angebändelt wird an der Theke und geflirtet auf dem roten Sofa. Don Giovanni steckt in einer blauen Daunenjacke und trägt eine Playboy-Sonnenbrille. Sehr originell ist die Einführung von drei Barkeepern, die bei der Anmache kräftig mitmischen. Ganz in heutiger Sprache sind die von Bruno Rauch verfassten deutschen Dialoge gehalten, welche die verloren gegangenen italienischen Rezitative ersetzen.
Pascal Marti, dessen Tenorstimme bei der Premiere unter den Folgen einer Kehlkopfentzündung litt, punktet als Libertin und Kumpel von Ficcanaso (Mozarts Leporello). Die Rolle des Weggefährten und Alter Ego Don Giovannis ist mit dem Bariton Jonathan Sells schauspielerisch und sängerisch brillant besetzt. Die heimliche Hauptfigur des Stücks ist jedoch Ulla Westvik als Zerlina. Die bei der Premiere ebenfalls leicht indisponierte Sängerin meistert alle Koloraturen und Höhen, darüber hinaus gibt sie die frisch Verheiratete überzeugend als Hin-und-her-Gerissene, die für das Werben Giovannis durchaus empfänglich ist. Das in bürgerlichen Moralvorstellungen denkende Kontrastpaar bilden die Anna von Julie Caffier und der Ottavio von Erlend Tvinnereim. Für eine wirkungsvolle Pointe sorgt Milan Siljanov als Komtur, der am Schluss als eine Art Ötzi zum Gastmahl erscheint.
Pacinis Musik kann mit derjenigen Mozarts nicht mithalten, aber sie weist etliche dramatische Momente auf. Die Streicherbesetzung mit nur zwei Flöten erlaubt wenig Abwechslung in den Klangfarben. Die Interpretation der Chamber Aartists bewegt sich auf einem ansprechenden Niveau, der Dirigent führt Sänger und Instrumentalisten mit sicherer Hand. Als musikalische Pointe erklingt nach Pacinis Schlusstakten noch das Finale aus Mozarts «Don Giovanni».
Interview in the "Schweizer Musikzeitung" June 2012
Quel est le quotidien d’un chef d’orchestre ?
Doit-il, comme un pianiste, pratiquer son
«instrument» quotidiennement ? Réponses
avec Emmanuel Siffert.........................
Ce CD............please click on the link right.
Information about the magazine:
"Cahiers de sociologie économique et culturelle"
http://www.uncu.edu.ar/mobil/novedad/la-sinfonica-en-concierto-con-director-suizo-y-solista-alemana
Review Xalapa Symphony Orchestra - Mexico with Brahms Double-Concerto and Vaughan-Williams 8th Symphony
La Sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño se engalana este jueves 6 de octubre a las 8 p.m. con el gran estreno de la obra Katana, del maestro caraqueño Alexandro Rodríguez a cargo de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, Patrimonio Artístico y Cultural de la Nación, un concierto para guitarra y orquesta que mezcla técnicas contemporáneas con ritmos de estirpe nacionalista.
“La complejidad de la dirección es muy amplia”
Emmanuel Siffert, director de orquesta y violinista suizo, se encuentra en Guayaquil en el marco del Curso Internacional de Dirección de Orquesta, Master Class de Violín y Música de Cámara.
Fue director de la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador (OSNE) durante 3 años y desde su salida del ensamble el maestro suizo Emmanuel Siffert dedica su batuta a la conducción del Ballet Nacional Inglés, plaza de trabajo a la que pronto regresará. Además, se toma tiempo para viajar por el mundo y dar talleres, cursos, seminarios, master classes de dirección orquestal. Actualmente lo hace en Latinoamérica y desde el 19 de septiembre pasado en Guayaquil.
Hasta este sábado se espera que concluya la evaluación de los estudiantes que tomaron el Curso Internacional de Dirección de Orquesta, Master Class de Violín y Música de Cámara, en el Conservatorio Particular de Música Niccoló Paganini. Hoy, a las 19:30, los talleristas seleccionados por Siffert darán un recital de música de cámara y violín en el auditorio de la Universidad de Especialidades Espíritu Santo (UEES) y mañana el maestro suizo dirigirá al ensamble residente del taller, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Guayaquil, desde las 19:30, en el auditorio de la Universidad Católica de Santiago de Guayaquil.
¿Por qué se dio esta visita a Guayaquil para dictar un taller?
Patricio Jaramillo -director de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Guayaquil- asistió a mi curso de dirección orquestal en Quito y tuvimos la idea de hacer un curso de dirección en Guayaquil, en el conservatorio que él es el rector.
Tener a la orquesta completa residente es una ventaja porque da una dimensión un poco más amplia.
¿Cómo evalúa a los estudiantes que ha podido formar aquí?
Todo se puede aprender, pero tenemos gente que está más adaptada y gente que está más interesada en conocer qué es dirección orquestal.
¿Cómo define usted a ese arte?
La orquesta para mí es un gran instrumento, para mí no es solo una parte de espectáculo como una ópera o el acompañamiento de un solista. En la sinfonía puede estar sola, pero la orquesta al acompañar es parte de un equipo y su director es el capo de todo, debería manejar su acople y funcionamiento en cada una de esas tres situaciones.
En el curso han estado la reconocida soprano Yasmine Yaselga y el joven pianista Andrés Torres como residentes, ¿cómo ha sido el trabajo con ellos?
He preparado a los estudiantes de dirección para que tengan un “feeling” para dirigir a la cantante, que respiren con ella, lo que significa oír un texto y lo que representa oír el texto y vivir la emoción que produce, en la ópera no es solo la historia, que es lo que deberían poner en el brazo. Ese fue el objetivo de la clase -el pasado 22 de septiembre en la mañana-.
Con la filarmónica juvenil usted ofrecerá un concierto como director, ¿qué tal siente al grupo?
Es una orquesta muy bien preparada con la que iniciamos el trabajo, con Coriolan Obertura, anteayer -el 20 de septiembre- que mañana continuaremos -el 23 de septiembre por la tarde-. Para el director es muy importante el oído, cómo escucha a la orquesta aquí: qué instrumento es más fuerte, cuál es menos fuerte, qué instrumento es un poco desafinado y cómo corregir, tomar la buena medicina, para dirigir a la orquesta. Claro, todo es un proceso de años.
¿Ha encontrado mucho interés en el aprendizaje de la dirección de orquestas en Quito y Guayaquil?
Claro, es muy bueno dar la introducción a este arte porque no se sabe exactamente de qué cosa se trata. Solo se ve a una persona que se mueve frente a la orquesta, pero la complejidad del trabajo es muy amplia. Mis cursos son una introducción en las que hacemos un trabajo de base, un poco de teoría; pero la dirección de orquestas tiene muchos aspectos, como trabajar con una cantante, con orquesta sola, cada uno muy diferente al otro.
¿Por qué incluyó la enseñanza de violín y música de cámara?
Es algo completamente distinto, como mi primer instrumento es el violín, Patricio me preguntó si podía dar clases de ese instrumento a los estudiantes y entonces mi cabeza al dictarla, se pone en modalidad de violinista.
¿Facilita el ser violinista, el dedicarse a la conducción de una orquesta o un ensamble?
No. Cuando uno proviene de la sección de cuerdas tiene mayor sensibilidad para los instrumentos de ese tipo; es completamente normal. Cuando uno proviene del corno tiene más sensibilidad para los metales.
El sábado los estudiantes de dirección guiarán a la orquesta en un concierto en la Espol Campus Las Peñas y usted lo hará mañana en la Universidad Católica, ¿qué repertorios manejará?
El mismo. Lo hemos trabajado en el taller e incluye óperas de Puccini, Tosca aria Vissi d’arte y La Boheme, la Aída de Verdi, además de una sinfonía clásica, la cuarta de Beethoven y del mismo compositor Coriolan Obertura. Para acompañar tenemos Chopin, un concierto para piano -Concierto para Piano y Orquesta Nº 2 en Fa menor, Op 21, con Torres como solista-.
¿Alguna razón especial para haber hecho esa selección?
Sí. Beethoven es un compositor de base para un director. Chopin es para acompañar y la ópera se escogió pensando en arias que se consideran clásicas del género.
Llegó a Ecuador el 18 de septiembre, ¿cómo preparó los cursos que dicta?
Estuve dando un curso en Inglaterra, pero preparar los contenidos es parte de la experiencia.
¿Qué proyectos tiene en Europa?
Estoy por dictar talleres en Venezuela y México para luego trabajar con el ballet en Londres. Esporádicamente trabajo como jefe artístico y director del proyecto Swiss Symphonic and Opera Composers que representa la posibilidad de descubrir obras escondidas y continuará el próximo año. Recientemente trabajamos con una pieza de un compositor suizo francés. Siempre estamos trabajando en descubrir las partituras.
¿Qué busca sembrar con sus cursos?
Es bueno ver el progreso de los estudiantes. Llevo 2 años dictando estos cursos y es bueno ver que hay directores que procesan muy bien lo que puedo enseñarles.
Review the Gramophone August 2011
GOMPPER: Violin Concerto; Ikon; Flip,Spirals
Wolfgang David, Peter Zazofsky,v; Royal Philharmonic/
Emmanuel Siffert
Naxos 559637—71 minutes
David Gompper is an Academy Award-winning
American composer. He has worked
internationally as a pianist, conductor, and
composer. This is the first time I have heard
his music, and I am very impressed. I feel
refreshed that such exceptional music is still
composed in these times of artistic apathy.
The incredible Wolfgang David takes the
stage with the Violin Concerto. This Austrian
violinist is extraordinary. His playing is exceptionally
rich and opulent and can also be
frighteningly delicate and distant when necessary.
The concerto begins with a violent solo
violin gesture that explodes into a dense texture,
Stravinskian in quality. The violin dances
around to a very American tune, yet reflects a
staple 20th Century violin concerto. Shostakovich
seems to be of influence in passages of
very involved counterpoint in the winds,
which serve as support for the cadenza-like
passages in the violin—as in the Op. 99 scherzo.
The frantic exchange is interrupted by a
beautifully meditative section. As the agitation
begins to brew once more, the desperate counterpoint
between the strings and winds comes
to a drastic halt with a booming brass call that
melts back into a meditative vision. The ending
seems to be in the style of Shostakovich—
this time, the end of the Fourth Symphony.
The second movement is an agonizing
moment, with a never-ending violin line that
reaches a transformative climax. III is certainly
the high point of this piece. I cannot get
enough! I am listening obsessively to the riveting
ending. Again, it seems to redefine, yet celebrate
the great violin concertos with sounds
of Bartok and Shostakovich. David Gompper
also does something rather rare these days:
compose a good tune; it’s glorious.
The other pieces are also very satisfying—
especially the emotionally charmed Ikon and
Spirals, inspired by the Fibonacci sequence.
What an absolute delight!
JACOBSEN
A welcome newcomer to these pages, American composer David Gompper (b. 1954) is represented on this recent release from Naxos by four works which are significant additions to contemporary symphonic repertoire. Three of them highlight the violin, one being a full-fledged concerto for that instrument. All reveal a composer who writes music with considerable intellectual as well as emotional appeal (see his album notes).
Back in 2005 Gompper began a piece for violin and piano entitled Echoes, which became the foundation for the concerto included here. Finally completed in 2009, he spent a great deal of time and effort orchestrating it, which seems reflected in the intricate attention to detail so evident in this three-movement work.
The opening free-form vivace begins with a three-note motif for solo violin followed by a momentary percussive cannonade from the orchestra. The movement is in constant flux with soloist and tutti echoing one another in an extended developmental dialogue. Captivating passagework for the violin, lean but brilliant instrumentation, and a mystical ending make it mesmerizing.
The haunting andante is a chromatic fantasia that occasionally flirts with atonality. It includes a cadenza of considerable difficulty magnificently executed by violinist Wolfgang David, who originally encouraged the composer to write the concerto.
Brevity and bravura characterize the concluding hyperactive presto, in which soloist and orchestra banter about old as well as new motifs. An upward glissando on the violin followed by laughing brass and percussion end the concerto impishly.
Ikon (2008) for violin and orchestra is a musical representation of a nineteenth-century Russian one belonging to the composer. Having made a study of methods used by iconographers to proportion and place objects in these sacred works of art, Gompper attempted to apply similar principles to his twenty-minute, single movement picture-concerto (see the album notes for more details).
Generally speaking the piece is cabalistically impressionistic, and may bring the more sublime moments in Szymanowski’s (1882–1937) two violin concertos (1916 and 1933) to mind. Exquisitely scored, there are insistent pronouncements from the violin answered by a variety of other colorful instruments, including vibraphone, piano and woodblock.
In three contiguous spans separated by brief pauses, the outer parts [track-4, beginning at 00:00 and 15:59] are for the most part stream-of-consciousness reveries. The middle one [track-4, beginning at 12:10] is the most acive, building to a shimmering halo-like crescendo for strings, tam-tam and piano that gently fades away. The overall effect is quite hypnotic, particularly with repeated hearing.
The idea behind the next selection, Flip (1993), is best explained by the composer in his album notes. Suffice it to say, it’s a set of orchestral acrobatics where three basic thematic ideas “flip” over and under one another in a variety of musical ways. Except for a lithe central episode, it’s highly energetic music with never a lax moment.
The CD closes with another conceptual piece, Spirals for two violins and string orchestra written in 2007. In one movement with three distinct sections, it’s based on the Fibonacci sequence of numbers (see the album notes) from which spirals can be derived (see how), and thus the title. For most listeners the work’s appeal will not be because of its mathematical associations, which are explained in the album notes, but rather through its emotional makeup.
The rhapsodic opening finds the soloists gracefully spiraling around one another over an engaging pizzicato-riddled accompaniment. An introspective section followings [track-6, beginning at 08:55], where one can imagine them tracing out separate thematic spirals, which join and collapse into a single point. The finale [track-6, beginning at 11:23] begins in animated spiky fashion, but the melodic line slowly smoothes out. In the process, the orchestra gradually evaporates, leaving the two violins floating heavenwards. The piece ends as they disappear from view.
Austrian violinist Wolfgang David is exceptional in the three concertante works, to the point where we can only hope to hear more from him again soon. And Peter Zazofsky plays a mean second fiddle in the last selection, giving Wolfgang an equally commendable assist. Swiss conductor Emmanuel Siffert and the Royal Philharmonic Orchestra provide them with ideal support, and deliver a luminous performance of Ikon. Gompper couldn’t have better advocates!
Done in Henry Wood Hall, London, the recordings are very good. They present these delicately scored works in crystalline detail across a convincing soundstage in an ideally reverberant space. Herr David’s ravishing violin tone is accurately captured and balanced against the orchestra. The instrumental timbre is for the most part musical with only an occasional hot spot. Audiophiles who are contemporary music enthusiasts will definitely want this disc.
Cet enregistrement des éditions Gallo permet d’apprécier à sa juste valeur l’Orchestre de chambre Suisse (Schweizer Kammerorchester) qui, dès les premières mesures, propose une version entraînante et irrésistible du Divertimento pour cordes de Béla Bartók (1881-1945), en 3 mouvements (avec un Adagio très expressif entouré de deux Allegro bien enlevés). L’excellent altiste Hugo Bollschweiler s’impose par son extrême justesse et sa musicalité dans Love is in the air du compositeur suisse, Rolf Urs Ringger (°1935), créé en 2007, page haute en couleurs, avec des tessitures très élevées pour l’instrument soliste. Cette œuvre est suivie d’un Adagio Celeste pour cordes du musicien finlandais Einojuhani Rautavaara (°1928), créé à Helsinki en 2002, page lourde de mysticisme, spéculant sur les oppositions de couleurs et le contraste en hésitation et accélération. Œuvre à retenir. Enfin, cette gravure se termine sur la Symphonie n°5 en sib majeur, D 485, de Franz Schubert. Excellent programme proposé par Emmanuel Siffert, remarquable chef de réputation internationale.
For some reason, the violin continues to garner a growing repertoire of concerti. Many derive from the contact of their composers with fine soloists who provide the inspiration and immediate feedback that shapes the music. When these collaborations work well, the result is an often engaging piece, often highly expressive, regardless of the language of its composer. David Gompper’s new concerto may just find a way to enter the repertoire over time with its accessible language and dramatic writing reminiscent of Dutilleux and Rihm, and even a little Penderecki at times, though these are mere reference points to help encourage pursuit of this latest disc featuring four of his works, three of them featuring violin. Gompper’s music is featured on a number of recordings and continues to find performances internationally. This new Naxos disc will provide some wider exposure to his work opening with the strongest, and most accessible of the four pieces presented here. The Violin Concerto has had a long gestation period and grew out of the composer’s work with its dedicatee, Wolfgang David, who performs it here. Beginning as a piano and violin work, performed and adjusted over a few years, the piece was finally orchestrated. The musical ideas grew out of Gomper’s thinking about echoes heard in the mountains though that inspiration may be set aside to enter into the work in a more abstract way. The opening “Vivace, Fuoco” begins with a rather intense, and at times vicious sense that is met with interesting orchestral accents. The violin solo floats well over the orchestral textures. Gomper’s music floats well between more atonal and angular lines and music that flirts with romanticism. The latter comes into play in a brief quieter section, a possible hint at the second movement’s quieter reflection. Calls and answers of motives are tossed throughout the texture as well while the solo wanders about through the interesting colors. The central movement is cast in those long lyrical reflections that work to provide contrast. There are some quite colorful climaxes that are quite beautiful cast against the expressive solo line. A cadenza revisits some of the motivic development of the piece providing some solo displays before the brief final “Presto.” David’s performance is committed and this concerto displays his technique in faster passages but highlights his expressive playing quite well. There are some sections of angular passages that he manages with great ease, or at least makes it sound as such! The work Ikon (2008) takes its name, and inspiration from a 19th-century Russian house icon viewed by the composer while in Estonia. Gompper’s compositional challenge was to find a way to depict musically the concept of proportional placement of sound the way images are presented in iconographic art. Pitch areas and rhythmic patterns are what helps to create the aural sensation of shapes within the texture here and while the concept of the music may be a bit too cerebral to catch in a first hearing, the language is accessible enough to enjoy the different colors Gompper draws from the orchestra. The solo instrument tends to present the rhythmic motifs that are then commented on by the orchestra in unusual ways. Ikon might work better on its own, it pales a bit after the stronger concerto, but can be hard as an earlier approach to writing for violin and orchestra that would flower more extensively in the opening work on this disc. The concluding work on the disc, Spirals, applies the Fibonacci series to all parameters of the music, discussed briefly in the composer’s accompanying program note. This work has appeared on disc before, though no doubt is receiving a definitive recorded performance here. Cast for two violins and orchestra, Spirals tends to focus more on rhythmic presentation of its soloists maintaining what sounds like a far more active harmonic backdrop than actually is in existence. The music has the sort of longer lyric violin lines in conversation with a variety of pointillistic support from the orchestra. Of interest to film music fans, Flip (1993), is a string piece that plays with the ideas of “flipping” musical material throughout the orchestra. It also includes “borrowed” music quotations from the TV series Flipper and the samba from Brazil. The music plays with the interpretation of “flipping” from innocuous dance flips to the more slang finger-inducing production and its immediate, unknown response. The music moves then in fits and starts with a lot of denser textures. In lieu of the other works included on the disc, this one is a good reminder of other non-minimalist musical directions that were occurring in music some 20 years ago as composers explored ways to create dramatic works in more harsh, atonal, soundscapes paralleled in works by Ligeti. The shift between pizzicato and bowing in the strings is also a great dramatic tool that makes the music interesting. The music is engaging from this perspective and must be interesting to watch as the orchestra responds to the various ideas tossed about. The concerto is a great introduction to Gompper’s music with the rest of the pieces merely allowing more exposure to his atonal and lyrical writing. The focus on violin works alone may limit its appeal only slightly, but the pieces that accompany the concerto are all fascinating works taken on their own. It is perhaps preferable to have a disc devoted to a single composer’s works than what can happen if more than one “new” concerto appears as ones preferences may lead to appreciation of one over the other. Here, there is no competition in being able to access Gompper’s style and the more mathematically-inspired pieces still work well. The Royal Philharmonic is in top form for these pieces that feel as if they have been explored well in preparation for this recording. The sound of the recording is simply marvelous capturing the ambience of Henry Wood Hall quite well. | |
From the confident first bar of the Marriage of Figaro overture to the familiar arias of the opera greats, the Diamond Jubilee Opera Gala was the epitome of festival founder Lady Fermoy's maxim of "only the best"...
Una bellissima edizione, una delle migliori che io ricordi dal vivo (e ne ho viste davvero tante, Salisburgo incluso). Merito principale, secondo me, dell’eccellente direttore d’orchestra Emmanuel Siffert, svizzero, formatosi con Sandor Vegh a Salzburg e successivamente con Horst Stein, Ralf Weikart, Jorma Panula e Carlo Maria Giulini, ha Mozart nel DNA e lo ha dimostrato con una performance modello di eleganza, finezza, stile.
Wanderer's Blog
The Royal Philharmonic Orchestra was founded by Sir Thomas Beecham who did not like lady orchestra player...
Allievo di Carlo Maria Giulini, Emmanuerl Siffert è sicuro uno dei più interessanti direttori svizzeri della giovane generazione.
Su enérgica batuta se movía con cadencia al frente de trombones y de violones, de oboes y de chelos, de flautas y de música.
En los conciertos, su carisma lo envolvía todo.
En esos momentos sonaban las notas y el público se volcaba sobre al suizo Emmanuel Siffert y sobre la orquesta....
En cierto momento afirmé que a la OSA, en la medida de que pudiera adecuadamente depurar su repertorio, los resultados serían más que satisfactorios, porque sus integrantes “sólo” están capacitados para el desarrollo de cierta clase de obras. Y lo presentado en el Tercer Concierto de la Temporada Primavera, fue una muestra de lo acertado del programa.
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